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專家別再罵樣板戲了！就沖以工農兵為主角這點，哪部京劇能做到？

點擊：作者：訴說歷史瞬間Moon 來源：今日頭條發布時間:2024-04-21 12:35:25

如何正確看待京劇“樣板戲”音樂？這個問題多年來一直牽動著許多人的心弦，它不僅反映了大眾對群眾文娛生活中戲曲音樂的深切關注，更彰顯了人們對于京劇“樣板戲”音樂這一復雜藝術現象的深刻思考。隨著時間的推移，人們對事物的認識似乎越來越清晰，對京劇“樣板戲”音樂的看法亦是如此。

京劇“樣板戲”音樂是京劇劇作家、表演藝術家和音樂家們共同努力、辛勤創作的結晶。這些作品在1964年的京劇現代戲觀摩演出中嶄露頭角，后來更是成為了標志性的“樣板”京劇。

值得一提的是，這些京劇“樣板戲”音樂的編曲者都明確標注了作者的姓名或創作單位名稱，這無疑是對他們勞動成果的尊重和認可。

例如，《紅燈記》是由劉吉典、李少春、李金泉、沈玉才、李廣伯、敦根森等人共同編曲的；而《奇襲白虎團》則是由山東京劇團樂隊編曲的。同樣，《沙家浜》（原名《蘆蕩火種》）的編曲者包括李慕良、陸松齡、唐再炘、熊承旭等人；

《智取威虎山》由沈利群、高一鳴等編曲；《杜鵑山》則是李慕良、馬連良、裘盛戎等人的原創編曲；而《紅色娘子軍》則是楊培、關亞農等人的原創編曲。這些現代京劇作品在后來的加工修改過程中，都凝聚了音樂家們的心血和智慧。

然而，值得注意的是，有一些京劇“樣板戲”音樂在特殊的歷史時期被強制署名為“集體創作”，這導致當時的人們無法得知其真正的編曲者是誰。但無論如何，這些作品都是出自有姓有名的音樂家之手，這是可以查證的。

在傳統京劇中，唱詞往往不太重視藝術文學性，但現代京劇則不同。以現代京劇《沙家浜》為例，其唱詞優美動人，曲表人情，在文學性上有著較高的要求，也展現了較高的審美水平。歌曲《春來沙家浜》便延續了現代京劇唱詞的“意境化”特點。這里的“意境”一詞主要可以從“情”和“景”兩個方面來分析。

歌曲《春來沙家浜》的前半部分以寫“情”為主，從回憶開始描繪，歌詞中的“那段情緣”將聽眾緩緩帶回那個年代的故事中，讓人不禁產生一種時光飛逝、回首已過多年的嘆惜之情。而在“春夢無痕，秋月如霜”的歌詞中，作者巧妙地運用了比喻的修辭手法，將清冷的秋月比作霜，進一步加深了往事不可追憶的情感，使聽眾產生更強的共鳴。

隨著歌曲的推進，“可是你那俊俏的模樣”這句歌詞慢慢將故事從迷茫走向清晰，仿佛曾經的場景呼之欲出。緊接著是歌曲的副歌部分，首先的兩句便是現代京劇的經典唱段《智斗》中的戲詞，將聽眾徹底拉回到《沙家浜》的故事里。

隨后，歌曲在經典唱段的基礎上進行了改編，改編的唱詞中加入了許多具有區域特征的景象，如“蘆葦”“碧波”“稻花”“楊柳”“漁歌”等，同時也不忘融入經典唱詞中的“七星灶”“銅壺”“八仙桌”等具有時代特征的元素，使當時的場景仿佛觸手可及，更讓聽眾有一種身臨其境的現實感。

作者以情開篇，后又以情喻景，以景喻情，將描繪的場景與所要表達的情感融為一體，使聽眾在欣賞過程中能夠感受到一種時有時無、亦夢亦真的意境。這種高水平的藝術表現不僅展現了作者的浪漫主義色彩，也讓人對京劇“樣板戲”音樂有了更深的認識和理解。

歌唱中的語言表達無疑是聲樂學習中的一項至關重要的功課。對于一位追求聲樂藝術完美的演唱者來說，吐字咬字的準確性無疑是關鍵中的關鍵。正確的發音只是咬字的基礎，而真正的藝術在于字正腔圓、行腔自如。在演繹聲樂作品時，我們既要保持原有的民族風格，又要確保咬字、吐字的清晰度，使每一個音符、每一個字都充滿生命力。

在《春來沙家浜》這首作品的演唱過程中，我們需要時刻保持一種哈欠狀的口腔狀態，同時讓身體自然舒展，使自己進入一種積極而興奮的歌唱狀態。

在咬字的過程中，嘴巴應放松，不宜過多地變換口型，位置要統一，以確保咬字清晰、快速而自然。特別是作品中每一句的最后一個音，如“上”、“唱”等字，很容易在演唱時吞掉字頭往后咬，導致咬字含糊不清。因此，我們必須靠前咬字，尤其是“s”和“c”的發音要辨別得十分清楚。

而在音調較高的地方，如“蘆葦青青，碧波蕩蕩”中的“yi”和“ang”發音，技術處理不當很容易導致咬字變形，聲樂位置改變，發聲變得尖銳刺耳，給觀眾帶來不舒適的感受。因此，我們必須保持位置一致，打開腔體，用身體的力量帶動情緒，推開氣息，提前做好應對高音的準備，以呈現出最佳狀態，給觀眾帶來更好的情感體驗。

行腔作為歌唱的一種表現形式，是演唱者對曲譜的深入理解與處理的體現。《春來沙家浜》這部作品融入了京劇經典唱腔，獨具風味。戲曲唱腔的發聲通道是放松而流暢的，腔體保持直立，后咽壁有力。

在演唱時，我們應保持正確的咬字和發聲，位置統一，音色明亮，并注重口鼻腔的共鳴效果。特別是在京劇《沙家浜》中唱段《智斗》的演唱中，阿慶嫂的唱腔采用了西皮流水的曲調，這種曲調活潑歡快，唱腔剛勁有力，節奏緊湊。演唱者需要運用氣息的支撐，咬字清晰，情感表達到位，通過技術與情感的完美結合，為聽眾帶來良好的視聽享受。

《智斗》中還有一段獨特的三人背供唱，這是一種各人想各人心事的表現形式。在唱腔上，它實際上是一種獨特的對唱變體，阿慶嫂與胡傳魁、刁德一的獨立唱詞在音樂上形成了上下句的關系。

胡、刁的唱腔不穩定，而阿慶嫂的唱腔則堅定有力。特別是在某些關鍵節點，阿慶嫂通過巧妙的唱腔處理，展現出了她的從容與智慧，使得整個表演更加生動傳神。

此外，電影《白毛女》中的音樂也為我們提供了豐富的藝術借鑒。這部作品在吸收和改編中國傳統民歌與戲曲的基礎上，借鑒了傳統民歌的主旋律，創造出了更多生動優美的旋律，成功地塑造了一系列鮮活的人物形象。

例如，影片中喜兒獨自在家等爹爹回家過年時哼唱的歌曲，就是借鑒了《小白菜》的主旋律。這首歌曲通過旋律的巧妙變化，刻畫了喜兒期盼爹爹回家的急切心情以及老百姓生活的艱辛。同時，歌曲也揭示了戲劇沖突的基礎——階級壓迫與剝削，為我們呈現了一個真實而感人的藝術世界。

在中國民族新歌劇的浩瀚星空中，眾多經典旋律如璀璨星辰般閃爍，如《北風吹》、《扎紅頭繩》、《數九寒天下大雪》、《紅梅贊》、《繡紅旗》、《一道道水來一道道山》、《洪湖水浪打浪》等，這些旋律如詩如畫，讓人心馳神往。這些優美的音樂主題不僅成就了眾多歌劇，更通過口口相傳，飛入尋常百姓家，成為了時代的印記。

正如民族音樂理論家劉正維所言：“歌劇通過主題的創作與貫穿使用，使得作品的音樂形象迅速深入人心，如虎添翼般傳遍神州大地。”每一部歌劇都塑造著鮮活的人物形象，而每一個人物又有著其獨特的個性。歌劇音樂正是為了展現這些不同人物的性格而創造的，它賦予了角色以靈魂，讓角色在舞臺上鮮活起來。

在歌劇的創作初期，秧歌往往直接引用民歌，缺乏改編與創作，這在一定程度上影響了戲劇的沖突效果。然而，歌劇《白毛女》卻打破了這一局限。它在吸收和改編中國傳統民歌與戲曲的基礎上，借鑒了傳統音樂的主音調，通過巧妙的改編與創造，展現了一系列優美的旋律。與此同時，一個個栩栩如生的音樂形象也得以在舞臺上展現，為觀眾帶來了震撼心靈的視聽盛宴。

《北風吹》的主題旋律一響起，便預示著喜兒的出場。隨著張二嬸的出現，喜兒與她相認，情感得以升華。緊接著，在“嚴懲漢奸惡霸黃世仁”的口號中，大家集體合唱，情緒激昂，士氣高漲。最終，黃世仁被槍決，眾人歡呼，此時陜北民歌《春節序曲》的變奏響起，圓號奏出一遍完整的《北風吹》，預示著喜兒和人民得以解放。當《三大紀律八項注意》再次出現時，也標志著喜兒加入了革命，開始了她的革命生涯。隨著革命的步伐，喜兒的背影逐漸遠去，全劇終了，但留給觀眾的卻是無盡的思考與感動。

歌劇《白毛女》不僅是中國新歌劇的里程碑，更是我國許多作曲家繼承和借鑒的寶貴經驗。從民歌、說唱、戲曲中汲取營養，使中國歌劇的發展始終保持著鮮明的中國特色。例如，1959年創作并演出的《洪湖赤衛隊》，就是表現洪湖人民在賀龍領導下進行土地革命的故事。作曲家在確定歌劇的基本音樂語言時，廣泛運用了湖北天沔花鼓和天門等地區的民間音樂素材，使得作品充滿了濃郁的地方特色。

同樣，1964年由中國人民解放軍空政文工團根據小說《紅巖》改編創作的歌劇《江姐》，主要表現黨員江姐在四川革命時寧死不屈、英勇就義的故事。作曲家在創作中以四川民歌為主，廣泛吸取了川劇、四川清音、越劇、京劇等多種語言進行創作，使得歌劇不僅具有濃郁的四川地方色彩，而且戲劇性特點也極為突出。